Estrenos de la semana: Loving Pablo, el lado más íntimo (y comercial) de Pablo Escobar

Una perspectiva nueva que se queda corta frente a la tentadora vida que todo el mundo conoce de El Patrón.

Sinopsis

Basada en una historia real, una periodista entabla una relación romántica con el notorio narcotraficante Pablo Escobar.

Ficha Técnica 

Dirección: Fernando León de Aranoa.

Producción: Javier Bardem.

Guion: Fernando León de Aranoa.

Música: Federico Jusid.

Fotografía: Álex Catalán.

Reparto

• Javier Bardem es Pablo Escobar.
• Penélope Cruz es Virginia Vallejo.
• Peter Sarsgaard es Shepard.
• David Valencia es Santos.
• David Ojalvo es Agente del FBI.
• Julieth Restrepo es Maria Victoria Hena.
• Giselle Da Silva es Olguita Arranz.

Tráiler oficial:

Mucha gente logra querer a los narcos, la razón la desconozco. Probablemente a todos les guste los lujos que estos poseen como estampillas, o quizá por la vida riesgosa que llevan o por los códigos subjetivos que los llevan a ser una suerte de antihéroes contra la peor corrupción que existe: el gobierno. Los motivos sobran, pero lo cierto que hace como diez años que tenemos material de sobra sobre Pablo Emilio Escobar Gaviria, comenzando con aquel temerario libro llamado Amando a Pablo, odiando a Escobar del que se adapta esta producción.

Amando a Pablo: Un buen arranque 

Como dijimos, aquel libro publicado en 2009 despertó una enorme curiosidad en el público, y esta versión demuestra que aquel morbo era interesante en serio. Una periodista siendo amante del hombre más peligroso de Colombia. El inicio con Penélope Cruz, de buen papel como la narradora de este romance bajo todo sentido prohibido era la vuelta de rosca perfecta a una historia contada ya de mil formas.

Las posibilidades de ver a Pablo -en este caso, un Javier Bardem sin la polenta que suele tener, pero que no fracasa-, en un plano más íntimo hacía que el inicio sea muy interesante. El director comienza con el punto más glamouroso que puede sacar, para ir cavando durante las dos horas de metraje en su apasionante vida.

Los pecados de Escobar que ya sabemos 

Sin embargo, aquel prometedor inicio de a poco se va perdiendo y esto es el pecado de la cinta de Pablo León de Aranoa, enfocar Pablo Escobar: La Traición -cuyo significado no relaciono con Amando a Pablo-, contarnos la historia que ya hemos visto tantas veces. En el apartado de las secuencias de violencia, se transmite bien la histeria de aquellos turbulentos años en Colombia, pero mucho de la propuesta original se deiluye entre tanto tiroteo.

Otro pecadillo quizá es el desorden reinante. No desaparece del todo la historia con Vallejo, pero el "ascenso y caída" de Pablo ocupa tanto en pantalla que encajar su parte es harto complicado. No vamos a decir que no se entiende, pero la narradora testigo es más bien omnisciente por su papel cada vez más disminuido.

No es una mala película. Pero el material prometedor del comienzo se entremezcla sin mucho concepto con las subidas y bajadas del patrón, que más dan para explotarlas en series y no en una película que pretende otras cosas, pero aún así, la cinta es entretenida y por momentos conectamos del todo con el mundo de Bardem y Cruz y aunque no es la adaptación definitiva de Pablo Escobar, es un entretenimiento correcto que no puede pasar a más, aunque podía.

Calificación: 6,9/10.

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Estrenos de la semana: Malicious, el típico espectáculo de terror errático y olvidable

Sin nada que podamos destacar de esta producción pasajera, tanto visual como intelectualmente, Malicious es una película que nos ahorraría tiempo no verla.

Sinopsis 

Un joven profesor universitario y su esposa embarazada liberan involuntariamente una entidad malévola con intenciones asesinas.

Ficha Técnica 

Dirección: Michael Winnick.
Guion: Michael Winnick.
Productores: Brett Forbes, Patrick Rizzotti.
Música: Jeff Cardoni.
Fotografía: Felix Cramer.
Montaje:  Michael Trent.
Vestuario: Joshua Hurt.

Reparto

• Bojana Novakovic es Lisa Pierce.
• Josh Stewart es Adam Pierce.
• Delroy Lindo es Dr. Clark.
• Melissa Bolona es Becky.
• Yvette Yates es Emily Harper.
• Luke Edwards es James Harper.
• Jaqueline Fleming es Dr. Lee.
• Ben VanderMey es David.

Realmente sería un lujo dividir este artículo con subtítulos, porque ni da para uno. Lo voy a repetir hasta que quede claro: es una mala película.

Primero, tenemos un elenco muy pobre en interpretación, como Novakovic que cae en la apatía más sublime en un papel plano, mal expresado y sobre todo, sin un buen fondo del que sostenerlo. Josh Stewart no sale mejor parado, pero al menos tiene más argumentos dramáticos. Si hablamos del resto, nos toca decir que ni su presencia logra convencer nunca. La hermana -Una Melissa Bolona sin arte ni parte- que viene y se va sin una sola pizca de gracia, el "estudiante" sin remera y sin razón en el epicentro de los sucesos -alguien debe morir, pero esto es ridículo- y muchos, mucho que falta por decir.

La película está tan mal estructurada que ni siquiera entendemos qué pasa. En serio. Se habla de la mitología azteca -o algo así-, luego se pisan los pasos y ocurren cosas que contradicen lo recién dicho, con un parapsicólogo de muy dudosa credibilidad nos da para decir que Malicious carece de lógica. Entendido.

Lo peor viene cuando decimos esto: No hay casi nada por salvar. Un guion tan superficial y lleno de diálogos que buscan ser inteligentes pero resultan insultantemente artificiosos -véase la frase de Hamlet o el rancio "uno más uno no es dos", como si volara la mente tal afirmación- que se repiten y repiten para jugar con que la película -atiendan esto-, demuestra que hay cosas que no tienen una explicación lógica en este mundo. Y la verdad que no, no entiendo quién en este mundo pudo dar dinero para hacer esto.

Debe pasar una hora de película -dura 90 minutos- para que entendamos qué pasa -con unas explicaciones poco más que nulas- y todo, TODO se resuelve en poco más de diez minutos. Un desinterés total en, al menos, subir la tensión de parte de Michael Winnick, cuyo honor es doble: guion y dirección olvidable.

Ni siquiera se abusa del susto gratuito. Si le sumamos que la historia no se entiende, agregale un par de sustos y es el colmo. Ni siquiera apuesta a los gritos del espectador. Por ejemplo, La monja o El Demonio de Medianoche tenían sus incoherencias, pero al menos pegaron fuerte en su ambientación la primera o a un estilo propio en la segunda. NADA en esta cinta es memorable, con un estilo hasta si se quiere copiado a cientos de películas en su tema.

¿Por qué? porque no es un sonoro fracaso, es uno discreto. Tampoco hablamos de un clásico de culto; no, hablamos de algo malo y olvidable. Si no fuese por dos cosas que me gustaron -sí, unos pequeños saltitos de volumen que funcionaron-, esta película sería un bochorno.

Calificación: 1,2/10.

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Lo mejor del 2018: La Muerte de Stalin: Los "Correlí" de la Unión Soviética

Una crítica mordaz e hilarante de la mano de Armando Ianucci desconstruye de la forma más ácida los vicios y ridiculeces que el poder obliga a cometer.

Sinopsis: 

Apenas acaecida la muerte del dictador Iosif Stalin, el Comité de Ministros de la Unión Soviética organiza el gran funeral para el líder, mientras cada uno de ellos traza un plan para imponer sus nuevas ideas y objetivos en el incipiente gobierno sucesor.

Ficha Técnica: 

Producción: Yann Zenou, Laurent Zeitoun, Nicolas Duval Adassovsky, Kevin Loader.

Dirección: Armando Iannucci.

Guion: Armando Iannucci, David Schneider, Ian Martin.

Basada en: La mort de Staline de Fabien Nury y Thierry Robin.

Música: Chris Willis.

Fotografía: Zac Nicholson.

Montaje: Peter Lambert.

Reparto: 

• Steve Buscemi como Nikita Jrushchov.
• Simon Russell Beale como Lavrenti Beria.
• Paddy Considine como camarada Andréyev.
• Rupert Friend como Vasili Stalin.
• Jason Isaacs como Gueorgui Zhúkov.
• Michael Palin como Viacheslav Mólotov.
• Andrea Riseborough como Svetlana Stálina.
• Jeffrey Tambor como Gueorgui Malenkov.
• Adrian Mcloughlin como Iósif Stalin.

Tráiler: 

El cine como arte y, ante todo, una disciplina donde el hombre es capaz de descargar sus conocimientos como mejor le plazca, es indispensable que este manifieste elementos que el espectador pueda comprender, porque de lo contrario, solo tendría sentido para uno mismo, sería una confidencia. Cuando el arte refleja el parecer del artista y expresa con claridad una idea que llega a quien lo observa, es cuando este llega a su más alto nivel estético.

Si la intención de Armando Ianucci en este film tan irreverente es la de demostrar la codicia y sus respectivas consecuencias, ha dado de lleno con esta comedia que no tiene miedo de reírse de una de las potencias más grandes que hayan existido.

La Muerte de Stalin: Graciocísima realidad

Fuente: Imdb.

Creo que lo mejor de una buena parodia o sátira es cuando esta puede llegar a ser verdad. Lo mejor -o lo peor- es que sobre los hechos que acontecieron a la muerte del gran líder -No digan que es spoiler, que está en el título-, sucedieron a grandes rasgos, de una forma muy parecida a la película, por supuesto, sin tantas situaciones cómicas de por medio. La posibilidad de poder sacarle el lado más sórdido de un hecho tan históricamente significativo.

Por supuesto que el humor no es algo que haya existido realmente en ese momento, pero sí ayuda a graficar con mucha agudeza la puja de poderes -como los políticos nuestros harían perfectamente- en caso de acefalía. La Muerte de Stalin no es menos que una gran burla a todos aquellos hombres enceguecidos de poder cuyos actos rozan lo inhumano.

La lealtad, el afecto de ciertas personas o incluso el respeto a la vida humana son cosas que vienen y van en la puja por el poder, y en donde Ianucci nos lleva de un lado a otro, como a sus personajes, por un camino muy sinuoso donde lo más importante es el qué y no el cómo.

Un reparto de primer nivel

Fuente: Imdb

El gran factor que consigue el efecto esperado de un gran guion escrito con muy cómicos diálogos es un elenco de primer nivel, que pese a su fallido o nulo acento ruso, nos brindan momentos más que hilarantes. Empezando por Buscemi, quien desde su papel lleva la historia o el magnífico trabajo de Beria, donde su estilo más flemático y calmado no carece de comicidad. El resto de quienes están, desde los hijos del propio Stalin hasta el nuevo líder de la URSS, llevan excepcionalmente la carga de la historia y los chistes a sus espaldas.

Pudiera resultar bastante fácil, pero lo cierto es que una película con tantos elementos, incluso de alto dramatismo -la masacre de personas, por ejemplo-, son puntos en donde el carisma de los actores puede llevarnos a esos lugares tan oscilantes entre la tragedia más pura y la comedia más absurda sin que sintamos los desniveles.

El final, por otra parte, mezcla fabulosamente la tensión que lleva tal momento con las risas que uno jamás esperaría de semejante momento. La música de Chris Willis es demasiado acertada en todos los momentos de contraste y el director, quien nos pone en un clímax digno de una película dramática de Spielberg, sin que sintamos una asfixia, más bien una sonrisa que no se diluye pese a la gravedad de las acciones.

Fuente: Imdb

La Muerte de Stalin tiene a su favor la experiencia que tenemos con nuestros políticos, capaces de hacer cada payasada por tener un poco más, mientras nosotros un poco menos. Con ello en mente, Ianucci se burla este egoísmo en un régimen nada perfecto, pero que no se aleja demasiado de las democracias tan aplaudidas por los teóricos. Nos puede encantar esta gran película porque llevan al cine lo que tranquilamente imaginamos todo que puede pasar en nuestro congreso en un juicio político.

Calificación: 8,9/10.

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Animales Fantásticos: Los Crímenes de Grindelwald - Crítica: Una buena secuela que prepara todo para el final (Sin Spoilers)

"Los Crímenes de Grindelwald" pese a ser un preámbulo de lo que se vendrá en la siguiente entrega, tiene un producto satisfactorio digno de darle un visionado.

fuente: Imdb

Sinopsis: 

Meses después de ser apresado, Grindelwald es liberado y comienza a ganar poder y a apoderarse de nuevos adeptos a su causa, mientras que Newt Scamander es llamado por el mismo Albus Dumbledore para que combata con el mago tenebroso.

Ficha Técnica: 

Dirección: David Yates.

Producción: David Heyman, J. K. Rowling, Steve Kloves, Lionel Wigram.

Guion: J. K. Rowling.

Música: James Newton Howard.

Fotografía: Philippe Rousselot.

Montaje: Mark Day.

Vestuario: Colleen Atwood.

Reparto:

• Eddie Redmayne como Newt Scamander.
• Katherine Waterston como Porpentina "Tina" Goldstein.
• Alison Sudol como Queenie Goldstein.
• Ezra Miller como Credence Barebone.
• Dan Fogler como Jacob Kowalski.
• Johnny Depp como Gellert Grindelwald.
• Zoë Kravitz como Leta Lestrange.
• Jude Law como Albus Dumbledore.
• Callum Turner como Theseus Scamander.
• Claudia Kim como Nagini.

J. K Rowling seguía expandiendo su mundo mágico con Animales Fantásticos y dónde encontrarlos, en el año 2016, sin embargo, aquella cinta introductoria poco nos daba de idea de lo que se vendría para continuar esta nueva saga, es en "Los Crímenes de Grindelwald" donde estas preguntas se responden, con cierta falencia narrativa que impide superar a su antecesora, pero que emociona al pensar en los resultados a posteriori.

Poniendo las cartas sobre la mesa

Fuente: Imdb

Lo que podemos objetar a esta cinta, dirigida por ya el hombre emblema en la dirección de la saga mágica, David Yates, es que la acción que se propone en sí la película nunca termina de cerrar. Las acciones se van dando sin que haya un giro realmente sustancioso para que digamos "acá se pone bueno todo", sino que ese punto es ni más ni menos que el desenlace de la película. En un clímax con poca formación desemboca todo lo mostrado, sin dejar, claro está, algunas dudas de ritmo.

Si vemos a esta secuela como parte de un todo - que es en realidad como hay que verla, al ser una saga-, y considerando la continuidad casi encadenada que existía en Harry Potter, no podemos dudar que en realidad la película sacrifica parte de un conflicto más trabajado en una presentación y construcción de los personajes, ya sean nuevos o viejos, donde el trabajo detallista en ellos se nota y es lo que toma gran parte de Los Crímenes de Grindelwald. Aquí, la gran versión de todo el elenco mantiene las expectativas a tope, encabezado por un Eddie Redmayne que parece ahora liderar con mayor soltura el reparto, aunque hombres como Johnny Depp en su gran papel del villano o el querido Jude Law siendo el querido Dumbledore no le van en zaga.

Fuente: Imdb

Tenemos pues, una cinta que pone las cartas sobre la mesa. En vez de solucionar todo en una cinta -con pronóstico reservado- de forma rápida, tenemos la "explicación" de todo lo que se vendrá en la dos, donde esperemos que las conversaciones sobre árboles genealógicos sean menores.

Un final interesante

Fuente: Imdb

No podemos objetar, sin embargo, el gran trabajo de Yates llevando la batuta por un ritmo mucho más lento del acostumbrado, donde, pese al inevitable tambaleo que le llevaría un guion tan denso de Rowling, que no se quitó el chip de novela para hacer cine, sí que logra sacar grandes momentos, siempre basándose en el vistoso trabajo de ambientación y efectos, que consigue toques exquisitos en la paleta de colores o de París o de Londres, casi con un estilo del cine noir, o ya sea de las nuevas y fascinantes criaturas que salen de la valija de Newt.

El tercer acto de la cinta es donde se sube la apuesta y la trama de tantos carriles narrativos se conjugan más que exitosamente en uno donde, aunque se podría hablar de una salida un tanto polémica -ya que estas son en teoría precuelas y dicho final no se menciona nunca en la saga del niño mago-, puede que debamos esperar a la tercera película de Animales Fantásticos para sacarnos las dudas de su credibilidad.

La gran cantidad de personajes puede dar la impresión que no terminaremos en una trilogía. Quizá se encuentra qué hilo estirar y se llegue a la tan mentada pentalogía, que puede ser contraproducente si debemos tener otra película de poca acción. Por tanto o tenemos un final por todo lo alto en Animales Fantásticos 3 o iremos hilando fino para llegar hasta ahí.

Conclusión: Aprobada

Animales Fantásticos: Los Crímenes de Grindelwald pudo haber quedado a deber en el sentido "espectáculo", sin embargo, lo relatado junto al buen hacer del director, un reparto bastante cargado pero de gran nivel, donde en esta Eddie Redmayne siendo Newt Scamander se lució y donde Johnny Depp demostró una vez que con mucho maquillaje es capaz de robarse del show, y una calurosa bienvenida a un carismático Albus Dumbledore de la mano de un Jude Law que aunque aparezca poco, demuestra que no le temblará el pulso de reemplazar al entrañable Michael Gamble.

Es una cinta que dejará al gran fandom más que satisfecho por el gran despliegue argumental, una ampliación más profunda del universo Rowling y, claro, más hechicería, conjuros y fantasía de alta factura que de seguro tendrá a muchos esperando su continuación.

Calificación: 7,6/10.

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Animales Fantásticos y dónde encontrarlos - Crítica: Un inicio prometedor para nuevas aventuras (sin spoilers)

Con el trabajo siempre preciso de David Yates para explotar la magia de Rowling, Animales Fantásticos es una pieza del mundo de Harry Potter que está a la altura de lo esperado.

Fuente: imdb

Sinopsis: 

Año 1926, la tensión entre magos y muggles crece debido a los actos terribles cometidos por Gellert Grindelwald contra la falta de libertad que estos poseen para demostrar sus poderes. En ese momento, una fuerza misteriosa empieza a ocasionar muchos desastres en Nueva York, al mismo tiempo que Newt Scamander (Eddie Redmayne) llega a la ciudad con un maletín lleno de criaturas fantásticas que se escapan y ponen en riesgo la clandestinidad maga.

Ficha técnica: 

 Dirección: David Yates.
Producción: David Heyman, Steve Kloves, J. K. Rowling, Lionel Wigram.
Guion: J. K. Rowling.
Basada en: Animales fantásticos y dónde encontrarlos de J. K. Rowling.
Música: James Newton Howard.
Fotografía: Philippe Rousselot.
Montaje: Mark Day.
Vestuario: Colleen Atwood.

Reparto:

• Eddie Redmayne como Newt Scamander.
• Katherine Waterston como Porpentina "Tina" Goldstein.
• Alison Sudol como Queenie Goldstein.
• Dan Fogler como Jacob Kowalski.
• Ezra Miller como Credence Barebone.
• Samantha Morton como Mary Lou Barebone.
• Carmen Ejogo como Presidente Serafina Picquery.
• Colin Farrell como Percival Graves.
• Johnny Depp como Gellert Grindelwald.

Siempre he de preferir historias nuevas, originales y de pequeños y esperanzadores creadores a las producciones -más productos que película muchas veces- diseñadas para venderse a la mayor cantidad posible de personas, porque las segundas casi siempre carecen del amor y el cuidado que merece un trabajo cinematográfico, se hace con fines de lucro y no artísticos, sin embargo, podemos encontrar dentro del muy cuadrado mundo de "la industria del cine" un resquicio para historias con decencia y corazón, que no sean una mera explotación de la marca.

Animales Fantásticos: La magia sigue en pie 

Aunque no me considere un fan del mundo imaginado por J. K. Rowling, sí debo destacar la enorme creación que tiene en sus manos. Un basto reino de ideas frescas y hechas con la más pura fantasía inocente -porque en el fondo, este género se empapa en ella- hizo que el mundo se cautive de las historias del joven mago que vivió, y en esta nueva etapa, donde ejerce ya directamente de guionista, sabe imprimirle el encanto que generó con la historia principal, siempre apoyado en el hombre que supo sacarle magia de cine a su relato: David Yates.

A las órdenes de Rowling una vez más desde La Orden del Fénix, Yates ha sido quien mejor supo mezclar la magia narrativa y la magia de hechicería que contenían los libros, siendo clave en el repunte crítico de la saga de un mero show taquillero a películas que pueden ser apreciadas. Aquí, el director no pierde el toque y sabe deslumbrarnos con los magníficos efectos que dispone y un belleza visual que enloquecería a todo fan que lo vea en 3-D.

Un inicio prometedor

Ya han pasado dos años de este estreno y ya está más que claro que no solo se nos avecina una secuela... o dos. Tranquilamente, la Warner hablaba de una pentalogía que de hacerse, haría a la afamada británica a hacer cuatro historias nuevas de su mundo, ya que solo existe un libro de Animales Fantásticos, sin embargo, pese a algunos inconvenientes en la narración, parece que J. K. ha sabido agarrarle al estilo cinematográfico y su trabajo en guion es muy bueno, por lo que, si contamos con la creatividad que de seguro aún tiene guardada, el producto venidero no será para nada decepcionante.

El reparto que compone la cinta hace que esto no solo sea una extensión sin carisma de Harry Potter, puesto que se conecta bien con Newt, Jacob, Tina y Queenie, donde capaz Eddie Raymane no me haya convencido del todo, pero que sus buenas intenciones hayan valido para darle una chance en "Los Crímenes de Grindelwald".

Al parecer, queda mucha tela por cortar en esta nueva saga que se pondrá en marcha, pero lo que sí se ha demostrado con la calidad desde lo técnico como en la visual, con una adaptación magnífica de la Nueva York del Charleston, y desde lo meramente artístico, con Yates jugando a cada momento con este mundo como si fuese un mago más, agitando su varita y moviendo la cámara con travellings y paneos majestuosos, podemos decir que aunque sea un producto para las masas, es fiel en frescura y originalidad a un mundo que, de ser así, no debe parar de crecer.

Calificación: 8,2/10.

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Estrenos de la semana: Demonio de medianoche, un juego regular (crítica sin spoilers)

Considerando muchos factores, Demonio de Medianoche puede tomarse un entretenimiento digno pese a sus errores.

Fuente: Mighty Ape

Sinopsis: 

Dos adolescentes, Alex y Miles, encuentran en el sótano de la abuela de la chica un misterioso juego que de empezarse, llama a "The Midnight Man" -El Hombre de la medianoche- y obliga a los participantes a protegerse y evitarlo, de lo contrario, podrá torturarte con tus peores pesadillas utilizando sus poderes demoníacos.

Ficha técnica:

• Dirección:  Travis Zariwny.
• Guion: Rob Kennedy 

Protagonistas: 

• Grabrielle Haugh es Alex Luster.
• Lin Shaye es Anna Luster.
• Grayson Gabriel es Miles.
• Robert Englund es Dr Harding.
• Emily Haine es Kelly.
• Kyle Strauts es The Midnight Man.
• Louise Linton es Annie Luster.

Un ático, un sótano, una cabaña... un niña, unos adolescentes... un juego. Una fórmula de sobra conocida dentro del género de terror que no hace falta que lo expliquemos, todos sabemos lo que pasa cuando encontrás una misteriosa caja, generalmente con muchas trabas para acceder a él, excepto... las personas que la encuentran.

El Demonio de medianoche es solo el enésimo intento de hacer que la frase "no abras eso" suene a refrescante e innovador, pero no existe nada más lejos de la verdad. Repite los tópicos más clásicos (y ya rancios) y por momentos le da algo nuevo que ya explicamos

Demonio de medianoche: Una trama muy "tramposa"

Fuente: El blog de Yes

A pesar que el que siempre me lea piense que analizo "demasiado" lo que veo, hay muchas cosas que uno desea pasar por alto para disfrutar a tope la película, aunque sean difíciles de no ver; yo soy, por el contrario, de los que no pueden evadirlas, y cosas como las que suceden durante toda la cinta tomo en cuenta para saber si las mismas reglas que estableció, se cumplen. Pero haciendo gala del homenaje a películas con objetos demoníacos, no las respeta.

Vamos a hacer de cuenta que jugar algo contra un demonio tiene puntos a favor. Hagámoslo, pero desde ahí, la cantidad de trampas que pone el propio monstruo -si no, el juego sería estúpidamente básico- y el guion del largometraje, dirigido con cierta solvencia por Travis Zariwny, hacen que carraspees y te preguntes cosas, pero si podés tragarte que hayan jugado de todas formas, podrás soportar esto.

Las licencias que se toman en la película para agregar momentos emotivos es sorprendente. La historia de la madre de Alex es ridículamente forzada, no por los hechos, sino por los horribles momentos donde se introduce o las "trampas" que vemos constantemente para meterle más tensión (curioso que la criatura haya hecho el juego con reglas, y las rompa) a algo que de por sí no se sostiene, ya que es algo realmente muy sencillo que por cuestiones dramáticas se complica sin convencer.

Un juego en buenas manos 

Fuente: Imdb

Pese a que no haya demasiado de donde agarrarse, el trabajo del director es el gran punto a destacar. No es brillante ni mucho menos, pero logra en muchos puntos, sobre todo en los apartados de violencia donde la explota sin censura, un aire mucho más grotesco y escalofriante que nos daría una propuesta de terror mediocre, para darnos momentos horribles como el baño de sangre de Alex, que fácil es la mejor escena de Demonio de medianoche.

Si nos saltamos el sobreactuadísimo trabajo de la señora Lin Shayne, tenemos un elenco en la altura de lo rescatable. Su principal problema es el mal manejo de los personajes, ciertamente artificiales o tan mal construidos e introducidos -factor clave para saber quién va a morir- que no generan cosas por preguntarnos sobre nuestros protagonistas, aunque lógicamente deberíamos hacerlo.

La puesta en escena de Demonio de medianoche resulta interesante, en especial en el arranque del juego, donde se logra una cierta atmósfera tétrica, que al mismo tiempo se anula con el mal guion que despiertan interrogantes y no nos cierra del todo lo que se propone, situación que empeora sobremanera con el final antojadizo que aunque contó con un muy buen giro en su clímax, se estropeó con la escena epílogo (Es muy tierno pensar que creyeron que habría una secuela).

Fuente: Imdb

Demonio de medianoche es un medio hacer entre las viejas costumbres de este ya casi subgénero del terror y modelos más propios y creativos que se ponen en marcha con buen director y un elenco que casi siempre pueden sobreponerse a un mal guion, que al final -por otros factores- dando una película que cumple como entretenimiento.

Calificación: 6,1/10.

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¿Qué hay en Netflix? The Innocents: Un intrigante suspenso poco apto para la maratón (Crítica sin spoilers)

Pese a tener una premisa y un tono enigmático, The Innocents se pierde en un vago inicio y en poca decisión argumental.

Fuente: Just Jared

 Sinopsis:

Dos novios adolescentes, June y Harry deciden huir de la vida represiva que tenían ambos para poder disfrutar mejor de su vida, sin embargo en el camino descubren el extraño "don" que posee June: puede tomar la apariencia de cualquier persona; pero a medida que va descubriendo sus poderes, descubrirá el agitado pasado de su madre, y que hay personas que intentan "ayudar" a personas como ella.

Reparto:

• Sorcha Groundsell como June McDaniel.
• Percelle Ascott como Harry Polk.
• Sam Hazeldine como John McDaniel.
• Nadine Marshall como Christine Polk.
• Jóhannes Haukur Jóhannesson como Steinar.

El gran gancho de Netflix es sin dudas sus series juveniles. El target de la plataforma se conforma principalmente de adolescentes y los éxitos de 13 reasons why o Todos los chicos de los que me enamoré son pruebas de ello. Por tanto, es normal que múltiples variantes se busquen de esta fórmula, donde nos encontramos con The Innocents, una propuesta anglo-noruega que a diferencia de estas producciones, no invita a pegarse a la pantalla.

Tibio arranque 

Fuente: Digital Spy.

Aunque esta producción a cargo de Farren Blackburn  puede tener una premisa emocionante y explotada con un cierto tono de explotación con mucho más morbo del ofrecido hubiese sido un mayor éxito, la dirección que toma la serie es un poco confusa en realidad. 

El sensacionalismo casi esperable que pudo tener la trama es reemplazada por una naturalidad que la hace muy distinta del producto esperado en primer momento y en vez de "hechos reveladores" desparramados a lo largo de los capítulos, se apuesta por una puesta en escena más metafórica y llena de cuidados planos que la hacen menos mainstream de lo que esperaría un público puramente adolescente, y es ahí donde comienzan sus problemas.

El in media res con el que arranca la historia, con los novios huyendo y los primeros síntomas del "don" de June, el primer episodio propone un thriller con mucho hermetismo, donde por sutilezas la trama irá avanzando. Desafortunadamente la trama no da para demasiado -conste que solo sean 8 episodios- y los capítulos siguientes nos dan una puesta en escena muy poco cohesiva, donde la historia se atasca en muchas metáforas y, siendo lo peor, en un hermetismo que ya no va generando suspenso, sino irritación por la falta de datos al espectador.

Lo demás salva, pero...

Una vez que se deciden a avanzar y elementos como el profesor van entrando con mayor fuerza, sí que The Innocents va tomando fuerza hasta llegar a un final impactante, pero si uno es de paciencia limitada, no llegará a ese último capítulo, porque ese inicio sin explicaciones se extiende por casi toda la temporada, sin que queden resueltas muchas cuestiones que, debería sonar bien para una segunda temporada, pero lo cierto es que la falta de emoción en muchos momentos, sumado a la reticencia de los personajes a darnos más que pocas escenas explicativas, hace que uno concluya con más dudas que respuestas, pero con más sensaciones amargas que dulces.

Por suerte, el trabajo detrás de cámaras (en lo visual) es exquisito, el trabajo metafórico que muchas veces toma el plano o las magníficas tomas del paisaje noruego o el gris y nublado aspecto de Londres son grandes formas de contar la historia y la sensación de las mismas va acorde a lo que va pasando. Tanto Droundsell como Ascott llevan muy bien sus papeles, aunque parecería que nunca acabaron de moldearse y cuestiones importantes como su romance, se entiendan mejor con sus actuaciones que con lo descrito en la escena. 

Podemos decir que los últimos episodios de la serie hacen que valga la pena su visionado, pero su extrema dependencia a "lo mejor va a llegar" e, insistimos, en el constante silencio y una puesta en escena por momentos sin contenido, hace que The Innocents pueda ser tachada de aburrida con cierta precipitación, pero también con cierta justicia.

Calificación: 6,4/10.

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Buscando: Un thriller del siglo XXI que se postula a lo mejor del año (reseña sin spoilers)

Con un trabajo impecable desde la edición, unas grandiosas actuaciones y una innovadora presentación dejan a Buscando entre los grandes títulos del 2018.

En el Festival de Sundance este -aparentemente- tímido proyecto de un desconocido Aneesh Chaganty, podría no haber llamado la atención de no ser por el talento que este desborda. Llegó a los cines y su éxito no puede deberse a cosas de la vida. Buscando es un trabajo brillante que mezcla como nunca la tecnología para crear una atmósfera asfixiante.

Sinopsis:

Sigue la historia de la familia Kim, donde padre -David- e hija -Margot-, tras dos años del fallecimiento de su madre, se comunican constantemente por medios digitales y redes sociales, casi nada en persona. Un día, Margot no regresa a su casa y su padre empieza a investigar con todos los recursos que tiene a mano desde su hogar para localizar a su hija, de la que va descubriendo detalles íntimos que le demuestran que no la conocía realmente. 

Ficha Técnica:

Dirección: Aneesh Chaganty.

Producción: Timur Bekmambetov, Sev Ohanian, Natalie Qasabian, Adam Sidman.

Guion: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian.

Música: Torin Borrowdale.

Fotografía: Juan Sebastian Baron.

Montaje: Nick Johnson, Will Merrick.

Distribuidora: Sony.

Suspenso muy actual 

Más que nunca, la frase "vivimos en las pantallas" no puede ser más cierta. La propuesta novedosa de la película es su desarrollo íntegro en pantallas de celulares, computadoras y televisores para mostrar una realidad que cada día se vuelve más palpable. Nuestra vida se resume en una hiperconectividad engañosa. Es decir, a más conexión con las personas, menos conocimiento real de la persona. 

Es muy interesante el recorrido por casi todas las páginas actuales donde se le saca un gran jugo a ese acercamiento para nada falso con las aplicaciones -es decir, no se usan de manera anticuada- y el gran trabajo con ellas hacen que su propuesta quede totalmente aprobada.

De lo mejor del año

Antes de ir a la acción trepidante descerebrada de turno, Searching se detiene en una secuencia especialmente inspirada de fotos y emociones para que conectemos con nuestros protagonistas y entendamos que hay un conflicto interno en padre e hija que, de nuevo, por su cercanía digital, capaz saque a más de uno un par de lágrimas. Desde allí, la historia se va desarrollando hasta llegar a los momentos de incertidumbre, manejados con mucho talento por Chaganty 

Que digamos que veremos en la pantalla una historia que pasa en pantallas puede sonar a aburrimiento garantizado, pero es un gravísimo error. Buscando tiene un ritmo atrapante, el manejo de la edición y el montaje -porque el uso de la computadora no fue grabado, sino generado por efectos- hechos por Nick Johnson y Will Merrick es lo que hace la magia, sumado a una historia que no para de dar giros y pequeñas sorpresas en sus más de 100 minutos de metraje.

La acción no para de crecer mientras un impecable John Cho, como el padre desesperado y desencantado con lo que descubre de su hija, aporta la humanidad necesaria en un film tan digital. La agente Vick -interpretada sólidamente por Debra Messing- es su compañera ideal en ello y nos da el toque para que este innovador thriller no quede en mera anécdota.

Aunque el final sea lo menos lúcido de este gran trabajo, no es menos cierto que de igual manera el gran trabajo previo no lo desdibuja y da un resultado global más que satisfactorio en un thriller que se postula fácilmente a lo mejor del año.

Una banda sonora muy efectiva en los puntos clave, un modelo de narración totalmente sofisticado e innovador y, por supuesto, un gran guion, dirección y actuaciones nos llevan a decir que Buscando es cita obligada a quien desee ver un cine experimental y totalmente asombroso.

Calificación: 9,5/10.

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Romeo + Julieta: Amor de ayer, hoy y siempre

Con una dirección infatigable de Baz Luhrmann, un trabajo espectacular del elenco y un trabajo artístico formidable, hacen que esta atrevida reinvención del clásico de Shakespeare sea increíble.

Ficha técnica

Dirección: Baz Luhrmann.
Producción: Baz Luhrmann, Gabriella Martinelli.
Guion: Craig Pearce, Baz Luhrmann.
Basada en: Romeo y Julieta de William Shakespeare.
Música: Nellee Hooper, Marius de Vries (Compositores)
Craig Armstrong (Compositor, orquesta y director de orquesta)
Fotografía: Donald McAlpine.
Montaje: Jill Bilcock.
Duración: 120 minutos.
Nominado al Óscar: Mejor Dirección de Arte.

Reparto:

• Leonardo DiCaprio como Romeo Montesco.
• Claire Danes como Julieta Capuleto.
• John Leguizamo como Tybalt Capulet.
• Harold Perrineau como Mercutio Escalus.
• Pete Postlethwaite como Fray Lorenzo.
• Brian Dennehy y Christina Pickles como Ted y Caroline Montesco.
• Paul Sorvino y Diane Venora como Fulgencio y Gloria Capuleto.
• Paul Rudd como Dave Paris.
• Vondie Curtis-Hall como el Príncipe de Verona.
• Miriam Margolyes como la ama.

Sinopsis: 

Verona ¿Beach? Siglo XVI  1996. La familia de los Monstescos y los Capuletos son las familias más poderosas de la ciudad y los enemigos más feroces uno del otro, pero esto no será impedimento para que el joven Romeo Montesco intente desposar a Julieta, la hija de los capuletos.

Lo que hace a una obra artística universal, es su mensaje que traspasa barreras de idioma o culturas, pero una inolvidable es una que se sobreponga a los obstáculos del tiempo; una que llene el corazón y la mente siglo después como lo hizo, y de esas obras compañeros, hay muy pocas.

Afortunadamente, cuando aparecen el gozo es tremendo, y más aún cuando las volvemos a presenciar, permanece esa primera esencia que nos deleitó, como si fuese la primera vez, como si nunca la hubiéramos visto. Incluso, aquello inolvidable permanece aunque cambiemos mil cosas, en esta adaptación tan realista de Romeo y Julieta, que le da un giro tan alocado como necesario para comprobar su veracidad como obra perenne.

Odisea en la dirección 

Hay que alabar el titánico esfuerzo de Baz Luhrmann detrás de cámaras. No es fácil adaptar una obra de teatro manteniendo la esencia de las tablas, cosa que se complica aún más cuando tienes la loca idea de cambiar parte de la esencia. De la Verona del siglo XV pasamos a un sucio pueblo norteamericano de los decadentes 90, y el trabajo para no desanimarnos por tan aparente desatino, desaparece al percatarnos de lo visualmente atractivo que luce la película. No tenemos un nuevo escenario porque sí, lo tenemos por la vigencia de su obra y por la necesidad de confirmarlo en los tiempos nuestros. Luhrmann mantiene el fuego juvenil siglos después.

El ser del teatro exhuberante, opulento y barroco no se lo pasa por alto, dándonos planos increíblemente poco habituales o secuencias de altísimo dramatismo que tenemos la fuerza del teatro en nuestras pantallas. No presenciamos el hecho como si fuese un teatro, pero sí con el espíritu de este, que con poco se hace tanto. El director realza cada aspecto que puede de gran manera, para que sintamos o bien en la arrebatada banda sonora, o bien en el estilo antiguo de conversar esa magia indiscutible de este clásico de Shakespeare.

Por supuesto que tal trabajo resulta agotador. Es más, podemos decir que baja un poco la guardia en este sentido, dándonos un final más cinematográfico que con el espíritu teatral que se mantuvo. Eso sí, tiene la fuerza y el corazón que merece semejante clásico.

Actores y arte

Fantástico el trabajo de adaptación. No nos quedemos con que ver edificios y asfaltado es adaptar. Tenemos un rediseño total de lo que uno se podría encontrar de Shakespeare en una película más cercana al Club de la Pelea o Pulp Fiction en cuanto a estética, sin embargo, ese sentido dramático no se pierde entre la mugre y va a tono con la historia. Es un elemento más a favor de esta gran producción

Si hablamos del elenco, hay que hablar de un tal Leonardo DiCaprio que nos demostró un año antes de saltar a la fama con Titanic que no sería flor de un día. Una actuación digna del Tony y del Óscar, capaz de convencer en un papel tan juvenil como apasionado, lleno de impulsos y deseos. Ojalá pudiera decir lo mismo de Julieta, pero Claire Danes ofrece una actuación bastante pobre, no es capaz de llevarle el ritmo a su amado y queda que la otra parte de la pareja no responde y cuelga de Dicaprio. Podemos decir que Mercutio, interpetado por un sobresaliente Harold Perrinau, se lleva más aplausos y prestigio que Julieta.

El elenco, en términos generales, es estupendo. Salvo el punto débil en la protagonista, ya mencionamos el excelente papel de Perrinau, o el gran hacer de Pete Postlethwaite como el cura que une a la pareja prohibida. Responden al duro desafío de hablar mucho en pantalla y no aburrir, algo de lo que generalmente salen bien parados, pero en otras ocasiones, caemos en cuenta que deberían haberse quedado en un escenario y no frente a las cámaras.

Tenemos, en resumen, un clásico confirmándose como tal. Como película en sí, hay un gran trabajo técnico e intepretativo -salvo en Julieta, insisto- y una dirección digna de admirar, aunque en su esfuerzo de ser una película que supere sus propias limitaciones, ofrece quizá un trabajo que no agrade a los puristas o quien quisiese ver algo más "normal", pero que no agrade al purista literario que lo consideraría un crimen, porque por más estimulante que esta adaptación fuese, no tendrá el encanto necesario para superar a su convencional presentación.

Calificación: 8,5/10.

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Por la juventud... Juno: Porque a veces no es fácil madurar (reseña sin spoilers)

Con una Ellen Page que logra un magnífico papel y una por demás conmovedora, Juno es de aquellas películas que siempre queremos volver a ver.

Ficha técnica

Dirección: Jason Reitman.

Producción: John Malkovich, Lianne Halfon, Mason Novick, Russell Smith.

Diseño de producción: Steve Saklad.

Guion: Diablo Cody.

Música: Mateo Messina.

Fotografía: Eric Steelberg.

Montaje: Dana E. Glauberman.

Vestuario: Monique Prudhomme.

Reparto:

• Ellen Page es Juno MacGuff.
• Jennifer Garner es Vanessa Loring. 
• Michael Cera es Paulie Bleeker.
• Jason Bateman es Mark Loring.
• Allison Janney es Bren MacGuff.
• J.K. Simmons es Mac MacGuff.
• Olivia Thirlby es Leah.

Sinopsis:

Juno MacGuff es una adolescente de 16 años que tras tener relaciones con su amigo Bleeker, termina embarazada. Ahora, deberá decidir qué hacer con este embarazo y con el hijo que viene en camino.

Siguiendo la temática de la juventud, hay un punto importante que siempre debemos pasar en este lapso de tiempo, que en realidad es uno de infección. Cuando somos capaces de asumir nuestras responsabilidades, de acometer nuevos emprendimientos o simplemente admitimos una situación personal que en otro momento no haríamos, estamos ante el hecho de madurar, que no siempre es fácil, en realidad, pero pasa tarde o temprano.

Un viaje (no tan) placentero

Y hablar de tarde o temprano es referirnos mejor a tarde, porque generalmente no ocurre muy pronto, y no le ocurrió a la joven Juno, interpretada por una excelente Ellen Page, adolescente desaliñada y reboltosa que en este total desconcierto de verse en la situación de ser madre, empieza a plantearse con una situación -lastimosamente- muy común en nuestro país: el embarazo juvenil. Por supuesto que el resultado de comparar allá con acá no resultaría y Los ámbitos son distintos, pero vale el caso.

Se nos plantea una especie de viaje del héroe, pero con un proceso de gestación ¿Se puede cambiar? Pues sí, y a nuestros protagonistas les lleva exactamente 9 meses hacerlo, empezando por el personaje de Page, que consigue llevarnos a empatizar con su situación y su personalidad que la comprometen constamente en este viaje que parece realizar sola. En las escenas finales, vemos como su objetivo, por medio de su cálida actuación.

Y si vamos al ejemplo de la pareja compuesta por Jennifer Garner y Jason Bateman, tenemos un caso más bien a la inversa. Como esta situación del madurar, no es solo una cuestión de edad, sino de espíritu. No resignarse en cuantos a sueños puede llevarnos a una involución, si se quiere, ante un hecho de esta envergadura. Madurar, como reza el título, no es fácil.

Una gran historia

Desde el lado de lo argumental tal vez sentimos que el camino de Juno es un poco más azucarado del que se supondría que tendría una chica de 16 años embarazada. Pero si apartamos esto, y nos centramos en la travesía más bien interna y de su grupo más cercano da bastante historia qué contar. De hecho, Jason Reitman nos da un trote, como a esos chicos del colegio, por distintas estaciones para llevarnos por el carrusel emocional que supone el embarazo, donde ya un especialmente tierno -y medio estúpido- Michael Cera, o la pareja Garner-Bateman o sus padres con un cariño tan peculiar, dan las suficientes versiones que necesitamos de esta crónica.

Reitman da en el punto de dotarlo de la "rebeldía" juvenil, y aunque tiene sus momentos inevitablemente románticos o emotivos, sí que tenemos el toque pueril que nos dan los jóvenes protagonistas que es una historia que se siente bastante real, porque no tiene nada de ficcionado el calvario anímico que resulta dar a luz a un hijo, más en estas circunstancias.

Entonces, este camino es particularmente duro -me refiero a madurar-, pero en algún punto todos llegamos a decisiones honestas y coherentes con nosotros mismos que nos dejan en el lugar donde debemos estar, que es un poco lo que pretendemos todos ¿verdad? Solo que aquí en Juno tenemos una visión un poco más común pero agitada de un hecho tan sencillo, pero contado de gran manera y que merece la pena el visionado para entenderlo.

Calificación: 8,7/10.

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Por la juventud... Call me by your name: Porque todos tenemos un gran primer amor.

Con belleza cargada en la lente, un trabajo descomunal de los protagonistas y la delicadeza de Guadagnino nos regalan una preciosa joya al estilo europeo. 

Ficha técnica:

Dirección: Luca Guadagnino.

Producción: Luca Guadagnino, Emilie Georges, James Ivory, Marco Morabito.

Guion: James Ivory.

Basada en: Call Me by Your Name de André Aciman.

Música: Sufjan Stevens.

Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom.

Montaje: Walter Fasano.

Reparto:

• Armie Hammer es Oliver.
• Timothée Chalamet es Elio Perlman.
• Michael Stuhlbarg es el Sr. Perlman.
• Amira Casar es Annella Perlman.
• Esther Garrel es Marzia.
• Victoire Du Bois es Chiara.

Sinopsis: 

En alguna parte del norte de Italia en 1983. La vida del calmado y taciturno Elio Perlman se revoluciona totalmente con la llegada de Oliver, un estudiante universitario que ayuda a su padre con algunos trabajos de arqueología durante el verano.

Precioso trabajo del director

Un hombre que ha tenido trabajos referentes al deseo, parece que en Call Me By Your Name nos introduce en una forma de este, aunque en esta ocasión, la sensualidad que aborda es, como dijimos, de las estatuas que aparecen siempre en segundo plano en la película. En la simetría, en los planos tan bellamente medidos que nos van contando la maravillosa historia de amor de Oliver y Elio, que tiene un deseo inherente, pero que no supera al verdadero mensaje de la historia: el primer amor.

Se diría que lo de amor gay opaca todo esfuerzo de contar una historia para todo público, pero sería incurrir en una tremenda ignorancia. El contenido homosexual -entiéndase propaganda ideologizante- no existe. La verdad, que no importa en esta cinta si son hombres o mujeres, lo que importa es el amor, que Guadagnino encuentra una manera que, aunque no proceda de una manera ortodoxa, saque el mayor provecho emocional que se puede.

Los paisajes bellos, reforzados por un trabajo loable de Sayombhu Mukdeeprom en el rubro de la fotografía, nos da varias escenas donde el trabajo del director es introducirnos en esta fascinante historia de amor y llevarnos por medio de planos generalmente poco habituales como los generales, donde el suave ir y venir de la cámara va llevando la batuta en su misión de contar la historia.

Una química inmejorable

El gran guion de James Ivory -que no por nada se llevó el Óscar- está muy bien planteado, pero dependía del trabajo de los actores que esta historia llegue a lo que es y, afortunadamente, Chalamet y Hammer bordan actuaciones fenomenales en una química que no se podría mejorar bajo ningún aspecto. 

La arrogancia tan sutil y magnetismo de Hammer son solo superados por un trabajo tan lleno de matices y sentimientos que el de Thimothée Chalamet, quien es el foco de atención en la construcción del primer amor. Pasando por la típica intolerancia al otro, pasando por mejores afinidades hasta que finalmente se consuma el furtivo encuentro, que como dijimos, tiene una alta sensibilidad que sin ser cursis en ningún momento con frases nefastas y melosas, tenemos una conexión íntima entre ellos que casi siempre puede suplir a las palabras.

El resto del elenco es brillante, donde cada quien tiene un momento y que se consuma en esa bellísima charla padre-hijo que nos recuerda nuevamente que, aunque el tiempo parece no pasar enamorado, pasa, y este se puede ir y no volver. El primer amor, queda como eso y nada más. La emotividad que nos presentan es simplemente devastadora cuando ocurren las malas noticias como cautivante cuando todo es color de rosa.

Mi único pero sería en el tercer acto, donde la magia tan mencionada no soporta un tercer acto que a mi modo de ver, no tiene demasiado qué contar y aún así resulta muy extenso, a tal punto que el final no se siente final definitivo en primer instante, pero Chalamet nos ayuda a que aquel desfase se olvide ante su despedida bajo lágrimas.

En resumen, Call Me By Your Name es una película que nos recuerda que es tener mariposas en el estómago con un estilo tan hermoso que si le sumamos dos actores en gran nivel, tenemos una película que explora fibras sensibles de nuestro cuerpo sin que nos sintamos incómodos y hasta disfrutemos con Elio y Oliver esta flor de verano.

Calificación: 9,4/10.

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Por la juventud...La Última Película: Crecer en enredos, la nada y Hank Williams

Peter Bogdanovich orquesta maravillosamente esta historia en los años cincuenta con un elenco magnífico y una fotografía encantadora de Robert Surtees.

Ficha Técnica:

Dirección: Peter Bogdanovich.

Producción: Stephen J. Friedman.

Guion: Larry McMurtry, Peter Bogdanovich.

Música: Hank Williams.

Fotografía: Robert Surtees.

Montaje: Donn Cambern.
Distribuidora: Columbia Pictures.
Nominado a los Óscar: Mejor Película, Director, Guion adaptado, Fotografía y Actor y Actriz de Reparto.
Ganador por: Actor de Reparto -Ben Johnson- y Actriz de Reparto -Cloris Leachman.

Reparto: 

Timothy Bottoms es Sonny Crawford. 

Jeff Bridges es Duane Jackson.

Cybill Shepherd es Jacy Farrow. 

Ben Johnson es Sam the Lion. 

Cloris Leachman es Ruth Popper. 

Ellen Burstyn es Lois Farrow. 

Eileen Brennan es Genevieve.

Sam Bottoms es Billy. 

Sinopsis: 

Anarene, Texas. Año 1951. Dos amigos, Sonny Crawford y Duane Jackson, viven el último año de colegio entre las continuas experiencias de crecer, la presión social y varios momentos que cambiarán sus vidas tranquilas de billar, cine y amigos.

Hacemos un pequeño paseo por las mejores películas de las que tienen como mensaje principal la juventud, o más bien, el paso de la juevntud hacia la adultez, una transición que siempre es dificultosa, no importa la época en la que nos encontremos. La Última Película -The Last Picture Show-, es una fascinante descripción de cómo es crecer a mediados del siglo pasado.

Nostalgia en Anarene, Texas 

Evocar a épocas anteriores es un recurso utilizado para generar, la mayor de las ocasiones, nostalgia. Y Peter Bogdanovich, el crítico de cine convertido en cineasta, genera un ambiente de constante melancolía en un pueblito semificticio de Anarene, Texas que parece morir lentamente; gracias en parte a la majestuosa fotografía de Robert Surtees, nominada también al Óscar y ganador por la colosal Ben Hur, capaz de mostrar algo muy interesante aunque se trate de la mismísima nada. The Last Picture Show nos lleva a una época donde los mismos personajes no encuentran sensaciones positivas en el presente y menos en el futuro, por tanto, ese aire de lamentación y remordimientos lo sentimos en toda la cinta.

Y si nos sentimos mal por el mal pasar de los protagonistas, es porque tenemos un elenco con unas interpretaciones magníficas. De destacar principalmente a Leachman, la mujer adulta que casi sin diálogos se ha podido robar la atención del espectador en su frustrante situación; Ben Johnson, el carismático Sam The Lion, la vívida representación del pueblo que extraña épocas mejores y vive de ellos.

Una dura transición 

La Última Película nos va contando la historia de un par de jóvenes que van creciendo en una dura época de su pueblo, más bien, de su pequeña sociedad en sí. Las mujeres viven con el miedo de no casarse, los hombres de no tener suficiente dinero para el auto... los vicios que imponen la tradición pesa bastante en nuestros jóvenes protagonistas, que deben lidiar con sus notorias limitaciones.

Destacable resulta el viaje emocional de los protagonistas, donde Jacy, que empieza como una chica enamorada a lo exactamente opuesto o como el destino lleva también a la guerra. Ninguno de ellos había podido soñar en grande y, ciertamente, no van demasiado lejos del opaco porvenir de su ciudad, donde el sexo parecía ser el único escape a la miserable situación no tanto económicamente, más bien en el ámbito emotivo.

Si seguimos hablando del sexo, el contenido explícito de este es bastante curioso. No vemos desnudos sugerentes, son siempre inocentes. Los protagonistas, en su duro transitar a la adultez, lentamente llegan a esta poco decorosa situación, tan anhelada por unos y detestable por otros, como el pequeño Billy, quizá el único que permanece inmune ante tanta fascinación corporal o económica.

Bogdanovich, flor de un día.

Sí que el debut de Peter Bogdanovich resulta maravilloso, nos da verdaderas postales de aquel desértico paraje, donde la música de la leyenda country Hank Williams, nos sumerge en Arenene, en el mundo que nos cuenta, uno donde aparentemente se sobrevive y no se vive. 

Lamentablemente, esas escenas en total silencio más que sonido ambiental que hablaban mas que los grandilocuentes diálogos, ser pionero del New Hollywood que cambió el modo de hacer películas, siendo más crudos en lo sexual o más sincero en las ambientaciones o interpretaciones, Bogdanovich no recuperó la magia en un film parecido y quedó en la lista de los hombres de un solo hit, como los que hicieron la macarena, sin embargo, su aporte a la sociedad queda más que agradecido con esta pieza maravillosa.

La Última Película -el nombre queda claro en el film, por eso no lo explico- es un pasaje de dos horas a una época distinta, pero a situaciones que conocemos muy bien, hecho que se puede deber al innegable legado de este largometraje que trae a la mente tantas situaciones que solamente las grandes películas pueden inspirar a generaciones.

Calificación: 9,6/10.

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